October 22nd, 2014

Галерея "Мирас"

Друзья, теперь у галереи "Мирас" есть свой блог!
Мы будем стараться выкладывать здесь интересные материалы, рецензии на текущие выставки, новости галереи, фотографии работ и мероприятий.

Немного о нас.

Галерея "Мирас" - одна из первых частных арт-галерей Уфы и республики Башкирия.
Галерея была создана в 1994 году.
Своей миссией "Мирас" считает организацию диалога между художником и зрителем.  С момента основания галерея работает с классиками изобразительного искусства, продолжая осмысление их творчества. Также "Мирас" активно продвигает идеи художников, работающих в области современного искусства, среди которых ярко выделяется творческая группа "Чингисхан". Мы рады открывать новые имена, работать с молодыми талантливыми художниками.

Галерея "Мирас" занимается и просветительсткой деятельностью, которая включает в себя лекции по истории и теории искусства, фотографии и дизайну,
кинопоказы с обсуждениями, творческие встречи с художниками, кураторами, искусствоведами. Мы рады дарить возможность зрителям испытывать
радость общения с миром искусства.

В этом году галерея "Мирас" переехала в новое более просторное помещение, которое находится в историческом центре города Уфа.


Основные направления деятельности галереи:

Выставки и художественные проекты
Продажа произведений искусства
Арт-консалтинг
Формирование частных и корпоративных коллекций
Багетная мастерская

Наш адрес: ул. Ленина 72
Сайт: art@miras.ru
Тел/факс: +7 (347) 273 17 71, +7 917 340 37 21, +7 989 957 40 16
Режим работы: пн-пт: 11:30-19:30  сб:12:00-18:00 вс: выходной
Режим работы в летний сезон: пн-пт: 12:00-20:00 сб-вс: выходной


pano-lenina-01
sVxLRmhJlss-960x333

Рецензия на выставку Василя Ханнанова "Персидские мотивы" (выставочный проект "Азия")

С 18 сентября по 4 октября  в галерее «Мирас» состоялась персональная выставка заслуженного художника Башкирии Василя Ханнанова. Новый выставочный проект «Азия» — это созданная сердцем и руками живописца художественная дверца, приглашающая зрителя соприкоснуться с магией и напряженной чувственностью Востока, романтичной откровенностью есенинской поэзии, и, конечно, мировосприятием самого художника. На реализацию проекта «Азия» художника вдохновила прошлогодняя поездка в Тегеран. В галерее из пятидесяти работ проекта было представлено только двадцать семь, объединенных под общим названием «Персидские мотивы».
Автор использует оригинальную технику для изобретения своих полотен. В старые ковры, собранные художником в разных местах или принесенные друзьями в его мастерскую, вложены портреты женщин, пожелтевшие и потрепанные временем книжные листы стихотворений Есенина из цикла «Персидские мотивы», портреты поэта, графические пейзажи. Ковер служит рамкой для изображений, и этот смелый шаг раздвигает границы обычного восприятия картины. Казалось бы, зачем собирать давно вышедшие из моды ковры и давать им новую жизнь? «Сохранить, спрятать, сберечь» — одна из задач искусства, отвечает автор выставки.
В процессе работы над проектом художник использовал натуральные  материалы – какао, шафран, глину, натуральные красители. Художественные полотна Василя Ханнанова интересны не только своим экстравагантным стилем, но и функциональностью, присущей изделиям декоративного искусства. Ковры проекта «Азия» не только украсят любой интерьер, но и создадут атмосферу для созерцания и размышлений о чем-то важном, о любви и красоте, о жизни и смерти.
Образы женщин на декоративных полотнах проекта «Азия»  аскетичны по внешней форме, но содержание их полно жизни и света — о чем дают знать их искренние улыбки и многозначные таинственные взгляды. Особое внимание привлекают ковры, в которых вырезаны силуэты влюбленных пар, окруженных строчками или целыми стихотворениями из «Персидских мотивов». Василь Ханнанов, создавая образы наслаждающихся влюбленных, заботливо собирает для них обрамления из ковров ушедшей эпохи, ритмично вплетая орнаменты и узоры, освещает их нежным лунным светом и как бы защищает пылким духом русского поэта, влюбленного в жизнь.
Василь Ханнанов тоже влюблен в жизнь, в искусство, в работу. Профессия художника, отмечает автор «Азии», предполагает постижение самого себя, общение с Богом как с самим собой, тотальное погружение в мир разнообразных чувств и образов. А руки – это то, с помощью чего мы предъявляем свою любовь к миру. «Руки не обманывают» — утверждает Ханнанов. Не теряя драгоценного времени, он стремится познавать и исследовать каждый день. Работа над произведением искусства для него является вызовом.«Искусство создается из молитвы» — глубокий философско-религиозный принцип, которого Василь Ханнанов всегда старается придерживаться на своем творческом и жизненном пути.

Адель Яппарова  (культуролог, галерея "Мирас")

                                                                                                                                                                                                                               

1097924_724861210896451_4680675336422791721_o

10603838_724861124229793_1614883036012708915_o

Рецензия на выставку Василя Ханнанова "Персидские мотивы" (проект "Азия")

В Хоросане есть такие двери,
Где обсыпан розами порог,
Там живет загадочная пери,
Но открыть те двери я не мог.


Есенин С.

В  1924-25 годах Есенин всей душой стремился в Персию. Очарование Востока, мечты о загадочной «голубой да веселой стране» захватили его, проехавшего Кавказ и застрявшего в Баку, и позволили достичь  высочайшего творческого взлета. Там были созданы стихи «Русь уходящая, «Письмо к матери», поэма «Анна Снегина» и 15 потрясающих стихов из цикла «Персидские мотивы». Он рвался в Шираз: «Поймите, я еду учиться. Там ведь родились все великие персидские лирики». Но поэту не суждено было добраться до этой страны, отворить эти двери. С.М.Киров, опасаясь за жизнь поэта в охваченном революционном пламенем Тегеране, даже распорядился устроить ему «иллюзию Персии в Баку»…Стихи этого небольшого цикла необыкновенно живописны. В них, словно в старинных персидских коврах, как будто собраны  все цвета   (и цветы ) «голубой и ласковой  страны», и  «свет вечерний шафранного края», и «золото холодной луны», и  «синие цветы Тегерана». Сама их ритмика словно повторяет орнаменты  ковра. Это не случайно. Вся история древней  Персии – это история ковроделия, которому нет равных в мире. Ковер  традиционно ассоциируется  с моделью земного рая, с его вратами. Это не только защита от холода и сырости, не только красота  дома. Ковер служил дверью в шатер. Возможно, поэтому  есенинская иллюзия проникновения в райские персидские кущи была такой полной. Серия «Персидские мотивы» Василя Ханнанова  — своеобразный парафраз. Сто лет назад, в 1914 году было издано первое стихотворение молодого поэта  «Береза» в журнале «Мирок». И сейчас в галерее «Мирас» Василь нашел повод отдать дань любимому поэту экспозицией женских портретов   (или вновь оживших ковров). Глаза «задумчивых пери» глядят на нас из «медальонов» (т.е. центра  полотна), обрамленные массивным орнаментальным бордюром теплых и насыщенных цветов Востока, как продолжение мечты Есенина. Винно-красный закат, охра пустыни, глубина синего неба, голубые переливы родников. Взаимоотношения с цветом вообще у ВХ – особые. Например, на Бали среди буйства тропических красок  он решил делать монохромные работы. В случае с Есениным, у которого в персидском цикле явно превалирует голубой и синий, что тоже символично, Василь использует синий, индиго, голубой очень широко: и как фон ,и как основу силуэтов. Как по контрасту, строгая графика прекрасных ликов , будто «камера обскура» из глубины веков. В классических исфаханских, ширазских, темризских коврах «медальон» заключал в себе Всевидящее око или священный цветок лотоса, тексты  писаний  и древние стихи.

Эльвира Каримова

Рецензия на выставку Радика Гарифуллина "Флаги"

Флаги, знамена, хоругви, штандарты – испокон веков они сопровождают историю человечества. Эмблемы страны, клана, команды, города, партии – у каждого свой вид и цвет, своя различительная функция. Это древние мощные символы власти и знатности, гордости и чести. Детям советского времени лучше всего понятны трепещущие алые океаны первомайских и ноябрьских демонстраций, заполонявшие проспекты и площади.
Радик Гарифуллин тоже родился и вырос в пресловутом флаговом апофеозе, но он решил пойти от обратного – повернуть нашу генетическую привязанность к этому символу  в совершенно иное русло. Возможно, это началось с картины «Флажки», где он, вроде дурачась или играя в детские собиралки (марок, спичечных коробков, значков), создал на полотне коллекцию весёлых  несуществующих флагов, в  присущем ему  структуралистском  стиле. Идея вылилась в объемный проект «Флаги», обросла новыми смыслами
В этой коллекции  флаги  брутально  сколочены из обрубков старых досок, фанерных обрезков, из останков нашего невозвратимого прошлого, собранных на заброшенных дачных участках, в деревенской глуши  и просто на свалке. И в каждом флаге заключена своя душа, свой алгоритм. Но как бы назло гордой государственной миссии, они  работают как предъявления частей человеческих душ, по словам художника. Флаги играют роль маркеров различных состояний человека, которые бесконечно сменяют друг друга.  В одном флаге звучит теплая грусть, в другом – бесконечная усталость, в третьем – крик восторга. Зритель волен представлять свою версию каждой страны, под ними нет подписей с названиями. О чем бормочет кусок беленого соснового бруса, или скрипит щепа раскоцанной фанеры, в которой с непонятной самому себе радостью узнаешь следы детсадовского стульчика, боковину снеговой лопаты или кусок венца черной бани? Объединяет их то, что все они рождают теплые эмоции. Это не просто деревяшки – эстетические сегменты, бывшие рабочие части, ведь Гарифуллин  использует лишь вторичную древесину (recycle wood), обглаженную не только дождем, ветром, и жуками-древоточцами, но и руками человека.

Эльвира Каримова
Журнал «Рампа» №10. 2014

Рецензия на выставочный проект Радика Гарифуллина "Флаги"

Выставочный проект Радика Гарифуллина «Флаги» приурочен к 55-летнему юбилею автора. Радик Гарифуллин активно участвует в региональных, международных, групповых выставках, является членом Союза художников России. Живописец, график, художник декоративно-прикладного искусства Радик Гарифуллин  живет и работает в Уфе. На концептуализацию проекта «Флаги», как отмечает сам автор, повлиял художник Ринат Волигамси. На выставке была представлена также живопись художника. Знаковые композиции, созданные в 2013 и 2014 годах, как всегда впечатлили своей образностью, оригинальным цветовым решением и функциональностью.
Новый проект «Флаги» дает возможность зрителю  не только окунуться в магический  мир искусства, но и обнаружить дополнительные смыслы и значения флага как арт-объекта. Флаг – это не только символ принадлежности к советскому времени, к которому возвращается автор, но и способ демонстрации определенного психологического пространства. Существуют внутренние отношения между образом флага и сознанием художника. Эти отношения обусловлены переживаниями детства, идеалами, которые взращивал советский режим. Была вера в образ светлого утопического будущего, которое не наступило. В выставке считывается тема ностальгии по ушедшему времени, времени не оправдавшему надежд. Флаги выступают как маркеры различных состояний, бесконечно сменяющих друг друга чувств. В них заключена история, понятная не только автору, но и зрителю, имеющему отношение к советскому. Автор сооружает различные по форме и фактуре флаги, сосредотачивая в каждом из них различные энергии и  эмоции – это и беспечная детская радость, и бесконечная грусть, светлая тоска и аскетичная  печаль, многообещающая вера и боль утраты.
Для советского мальчишки с флагом связан целый игровой пласт со своей уникальной гаммой переживаний. В детстве флаг – это  элемент  игры, знамя, под которым можно объединиться ради достижения общей цели, пусть и на вымышленном игровом поле. Художник Радик Гарифуллин пытается работать с  теми зонами бессознательного, в которых советское оставило свои особенные следы и образы. И эти образы требуют рефлексии, переосмысления, а, точнее, выхода в зону сознательного, где свобода от них становится возможной. Флаг, одна из любимых игрушек детства, становится арт-объектом. Можно сказать, что художник продолжает игру, но только на площадках галерей и выставочных залов.
Можно даже говорить о том, что флаг – это некая зона манипуляции. Игрушка как объект манипуляции, как нечто довлеющее над зрителем или над играющим. Этой теме отведено свое место в современном искусстве. Таким образом, понятна интенция автора работать с зонами бессознательного и оправдан интерес к психоанализу и гештальтпсихологии, поскольку создание проекта «Флаги» —  это попытка, как уже было проговорено, освободиться от встроенных еще в детстве идеологических шаблонов восприятия окружающего мира, желание взглянуть на советское «поверх идеологических репрезентаций», используя язык современного искусства.
Адель Яппарова (культуролог, галерея "Мирас)
В рамках выставочного проекта "Флаги" была проведена творческая встреча с Радиком Гарифуллиным, на которой состоялось обсуждение новой выставки.


qheZP_ujFKQ



1780837_583644571757775_1089061369955277433_n
1794745_583424055113160_7323420946864030484_n
10290133_583423935113172_3748716487771828320_n (1)
S8gVXGmARRc

О выставке Наила Байбурина "4 smrt и Искусство"

В галерее «Мирас» 8 октября состоялось открытие выставки Наила Байбурина "4 смерти и Искусство", которая продлится до 22 октября. Выставка «4smrt и Искусство» дает возможность познакомиться ближе с практиками современного искусства, поразмышлять о философских аспектах бытия, поучаствовать самому в творческом процессе, к которому приглашает автор. Наил Байбурин – живописец, сценограф, драматург, художник ассамбляжа и инсталляции. Для современного искусства, которое представлено в Башкирии, Наил Байбурин является одной из ключевых фигур.
Тематически выставку сопровождал давно задуманный и, наконец, реализованный перфоманс «Дорога в небо», увидеть который можно было только 15 октября. В названии перфоманса очевидна попытка автора найти ту зону художественного выражения в современном искусстве, которая  позволяет отойти от политики и злобы дня и обратиться к внутреннему духовному пространству.
Для Наила Байбурина важна игра со зрителем, интрига, импровизация, эксперимент здесь и сейчас. Наил Байбурин любит работать с потоком сознания,  с мифологическими образами, с архетипами и символами. Музыкальная часть перфоманса задумана как эклектичное сочетание разных звуковых вибраций – шум стиральной доски, игра на аутентичных музыкальных инструментах, женский голос меццо-сопрано. Во время перфоманса Наил Байбурин читал «бесконечное стихотворение», рассказ о любви, задавал вопросы публике. Выставка «4 смерти и Искусство» подталкивает к размышлениям о смерти и красоте, о мужском и женском, о диалектике добра и зла, о месте человека и предназначении художника в этом мире.
Адель Яппарова (культуролог, галерея "Мирас")
Журнал "Рампа" №10.2014